Dalí redivivo

Autor: Vivianne Loría

Revista: LÁPIZ Revista Internacional de Arte nº 205

En 1945, Walt Disney y Salvador Dalí acordaron realizar un corto de animación surrealista. Pero el proyecto no vio la luz hasta el año pasado, cuando se estrenó en el Festival Internacional de Annecy. Dirigido por Dominique Monfery, el corto, titulado Destino , se presenta, más de cinco décadas después de su concepción y con Dalí desaparecido, como una mirada nostálgica al horizonte ya lejano de la animación clásica, a la vez que como una operación de legitimación de los orígenes creativos de Walt Disney Company, que en otros tiempos marcó las pautas de la estética cinematográfica de la animación. Hoy, la voraz productora sigue la carrera loca de las tecnologías de animación aplicadas a largometrajes seriados que saquean libros de literatura infantil y juvenil.

Pasadas las décadas de oro de la Disney, que han dejado indiscutibles joyas de la animación, en los últimos veinte años se ha acentuado el edulcoramiento y vaciado de contenido progresivo de los argumentos, fenómeno que ha corrido paralelo a la sofisticación creciente de los programas informáticos aplicados a los efectos especiales, al movimiento de los personajes y a la creación de escenografías complejas y perspectivas hiperrealistas. La música, que antes salpicaba las historias con cándidas canciones, protagoniza hoy la trama, convirtiendo los largos en musicales con sofisticados números coreográficos y con bandas que ensamblan desde el pop hasta el reggae.

La relevancia de la banda musical ha sido, en efecto, un rasgo distintivo de las complejas animaciones Disney. Así, Destino se inspira en una melodía del mexicano Armando Domínguez, que sirvió a Walt Disney para imaginar el argumento musical del corto. Partiendo de la composición de Domínguez, con una letra escrita por Ray Gilbert e interpretada por Dora Luz, el productor aspiraba a la creación de una especie de poema amoroso audiovisual. Quizás la elección de Dalí como diseñador de la secuencia partió de la idea de que su estética surrealista, vulgarmente interpretada como la estética de los sueños, aportaría una atmósfera adecuada de inquietud y ensoñación.

Tras meses de trabajo, el proyecto fue abandonado en 1946 por problemas de presupuesto. Décadas después, se encargaría a un equipo de dibujantes y animadores franceses su realización. Basándose en un completo storyboard y en un veintena de pinturas y más de 130 dibujos originales de Dalí, este equipo intentó crear Destino utilizando exclusivamente las técnicas “antiguas” de animación, trabajando cuadro por cuadro artesanalmente, e incluyendo dieciocho segundos de metraje original rodados por John Hench -miembro del Estudio Disney que trabajó con Dalí en el desarrollo del proyecto-. Este intento por atenerse a un presunto espíritu original, ya perdido irremediablemente, parece buscar dotar al corto de un halo de “clasicismo” Disney, inspirando en el espectador un déjà vu , un deleite en la atmósfera retro, reforzada por la melancólica melodía años cuarenta que guía la acción. Pero lo cierto es que el equipo cedió a la tentación de usar la animación por ordenador para conseguir el efecto 3 d de una torre y para dotar de profundidad al planismo de la animación clásica.

El relato, cuya narratividad es forzada a encajar en los símbolos ya anecdóticos de la iconografía daliniana, es, como compete a la psicología de la animación Disney, simple y directo. Se trata del amor, y se desarrolla como una danza interpretada por una figura femenina surgida de la arena de un paraje desolado del más reconocible estilo Dalí. La mujer, con el aspecto adolescente y los grandes ojos propios de las heroínas de la Disney, se desliza etérea vestida con un traje vaporoso y romántico. Una gran pirámide de piedra en medio del extraño desierto muestra un altorrelieve, una figura masculina sin rostro apoyada en un reloj. La danza de la mujer le incita. Ella ve desvanecerse lo que parece una escultura, un retrato masculino, quizás la encarnación de un sueño romántico. Entonces sube a una torre que alberga extraños ojos con esmoquin y su vestido se enreda y se desliza dejándola desnuda, al tiempo que se acurruca en una caracola. La figura de piedra lucha por liberarse de las cadenas del inexorable paso del tiempo, simbolizado en el reloj y la piedra… La vida y el amor sometidos a la estricta condición efímera de lo humano. Ella se funde en la sombra solitaria de una campana, apropiándosela como si fuese un vestido. Él y ella se buscan, pero no logran encontrarse, separados por la piedra, por el desierto, por el desvanecimiento o por el crecimiento agresivo de una arquitectura fantasmal a su alrededor. La figura liberada de la piedra, las hormigas en su mano que se convierten en ciclistas con un pan en la cabeza, la transformación de la escultura en beisbolista, son mutaciones que responden a la paralela metamorfosis de la mujer, tan pronto transformada en diente de león cuya cabeza se desgaja, como en campana. Dos grotescas testas de cuellos desgarrados son transportadas por enormes tortugas sobre sus caparazones en la única secuencia original rodada en la época en que se planteó el proyecto. Al encontrarse en el horizonte, el espacio entre las cabezas dibuja la figura de la campana a modo de bailarina, coronada por una pelota que descansa a lo lejos, en el paisaje. La pelota del beisbolista es la cabeza de la mujer… Pero cualquier movimiento es más confuso que el anterior, y el acercamiento se frustra. Y la aventura solo sirve para que todo acabe más o menos como al principio. El hombre de piedra, y la mujer como una campana, perdidos ambos en un desierto desolador.

Ciertamente, este corto, de unos seis minutos, recupera el encanto e ingenuidad de los productos Disney de los años cuarenta, pero, como no podría ser de otra manera, su espíritu y atmósfera se apegan más al simplismo pictórico daliniano que a las vetas oscuras que transmiten algunos de los dibujos a lápiz con los que el artista prefiguró las imágenes más extrañas de este proyecto.

In 1945, Walt Disney and Salvador Dalí agreed to make a short surrealist animation. However the project was not unearthed until last year, when it was premiered at the Annecy Animation Festival. Directed by Dominique Monfery, the short film entitled Destino appears, five decades after its conception and now Dalí is no longer with us, as a nostalgic glance towards the already distant horizon of classical animation, and at the same time as an operation legitimising the Walt Disney Company’s creative origins, which in past times set the guidelines for the cinematographic aesthetics followed in animation. Currently, the voracious production company adheres to the wild race involving animation technologies applied to serialised feature films that plunder children’s and teen literature.

With Disney’s golden decades behind them, during which they produced undisputable animation jewels, over the last twenty years we have seen an increased sweetening and a progressive loss of content in the plots, a phenomenon that has appeared in parallel to the increasing sophistication of computer programmes applied to special effects, to the way characters move and to the creation of complex sceneries and hyperrealist perspectives. The music, which used to pop up in the stories by way of candid songs, currently takes the leading role, turning these feature films into musicals with sophisticated choreographies and soundtracks that assemble all styles from pop to reggae.

The relevance of the music has actually been a distinctive trait in Disney’s complex animations. In fact, Destino was inspired by a melody by Mexican composer Armando Domínguez, which Walt Disney used to imagine the musical plot for the short film. Based on Domínguez’s composition, with lyrics by Ray Gilbert and performed by Dora Luz, the producer aimed to create a kind of audiovisual love poem. Perhaps choosing Dalí as the designer of the sequence arose from the idea that his surrealist aesthetics, vulgarly interpreted as dream-world aesthetics, would provide a suitable restless and dreamlike atmosphere.

After working for months, the project was abandoned in 1946 due to budgetary problems. Decades later, a team of French drawers and animators was employed to complete it. Based on a comprehensive storyboard , about twenty paintings and over 130 original drawings by Dalí, the team attempted to create Destino exclusively using “old” animation techniques, working frame by frame implementing traditional methods, and including eighteen seconds of original material filmed by John Hench –member of the Disney Studio who worked with Dalí on the development of the project. That attempt to preserve the supposedly original spirit, already lost irremediably, seems to want to bestow the short film with a halo of Disney “classicism,” producing a déjà vu effect on the spectator , delighting in a retro atmosphere, emphasised by the melancholic 1940s melody that guides the action. Yet, the truth is that the team gave in to the temptation to use computer graphics to achieve the 3 d effect for a tower and to give some depth to the flat classical animation.

The plot, whilst its narrativity is forced to fit into the now anecdotic symbols of Dalí’s iconography, is simple and direct, as would be expected of Disney animation psychology. It is about love, and it takes the shape of a dance performed by a female figure that emerges from the sand in an isolated location designed in a most recognisable Dalí style. The woman, who has the adolescent aspect and the large eyes of all Disney heroines, glides along ethereally clothed in a gauzy, romantic dress. A large stone pyramid in the middle of the strange desert displays a high relief, a faceless male figure leaning on a clock. The woman’s dance incites him. She sees what looks like a sculpture, a male portrait, perhaps the incarnation of a romantic dream fade before her. She then goes up to a tower that houses strange tuxedo-clad eyes and her dress gets tangled and slides off her, leaving her naked, whilst she curls up in a conch. The stone figure strives to free itself of the chains representing the inexorable passing of time, symbolised by the clock and the stone… Life and love subjected to the strict ephemeral condition of what is human. She melts into the solitary shadow of a bell, borrowing it as if it were a dress. She and he look for each other, yet they do not find each other, separated by the stone, by the desert, by the vanishing or the aggressive growth of the ghostly architecture that surrounds them. The figure freed from the stone, the ants turning into cyclists with pieces of bread on their heads and the sculpture becoming a baseball player are all mutations that respond to the parallel metamorphosis the woman undergoes: she becomes a dandelion whose flower breaks off as easily as she turns into a bell. Two grotesque heads, ripped from their bodies at the neck, are carried by enormous turtles that transport them on their shells in the only original sequence filmed at the time when the project was designed. When they meet on the horizon, the space between the heads outlines the shape of the bell as if it were a ballerina, crowned by a ball that appears in the background, in the landscape. The baseball player’s ball is the woman’s head… Nonetheless, each movement is more confusing than the one before it, and although they move closer, they never get close enough. The adventure only leaves everything more or less as it was at the beginning. The man made of stone, the woman as a bell, both lost in a bleak desert.

In truth, this short film, that lasts approximately six minutes, recuperates the charm and ingenuity of the Disney products created in the 1940s, yet, as expected, its spirit and atmosphere are more closely linked to Dalí’s pictorial simplism than to the dark streaks transmitted through the pencil sketches the artist drew to plan the project’s strangest images.